ARTE CONCEPTUAL

“ La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas, no el copiar su apariencia”. (Aristóteles filósofo griego 384 ac – 322 ac).

Si el arte se define como la expresión de un mundo en constante transformación e interacción, entonces el artista resulta ser el guía que construye nuevas formas e ideas exponiendo dichos cambios con su arte. Las tendencias de manifestaciones artísticas se modifican al paso del tiempo, renovando conceptos, ajustándose a la nueva mentalidad que emerge de los diversos cambios sociales que dan pauta a otras maneras de asimilar el mundo; por lo que el artista se motiva a expresar esa percepción de cambio. Y el arte conceptual es el factor consecuente de esa trasmutación que evoluciona de ser sólo arte contemplativo a ser activo, participativo; generando conceptos plasmados en objetos ordinarios valiéndose de diversas maneras de presentarlo que inviten a la experiencia envolvente de todos los sentidos en una performance creando una atmósfera.

¿Cuándo inicia el Arte Conceptual?

El origen de este arte data desde en los años 60, 70 y 80 (siglo XX). Comienza principalmente con los trabajos realizados por Marcel Duchamp, que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico. De origen francés, quien fue formado como artista en los cafés del barrio de su zona.

Marcel Duchamp es el artista mas influyente del sigo XX. Se adelanto al arte Conceptual, elevo el objeto cotidiano a categoría de arte y cambio radicalmente la idea de belleza. Duchamp crea los ( ready mades ) objetos cotidianos separados de su entorno habitual y presentados por el artista como objetos de arte. A partir de entonces el arte ya no se veía con los ojos si no con la mente.

Más tarde Joseph Kosuth artista norteamericano da sus aportes a este estilo. Entre los que se encuentra la incorporación de la búsqueda de conceptos y la definición de los objetos de arte. Tras estudiar en su ciudad natal y en la School of Visual Arts de Nueva York, Joseph Kosuth se convirtió en el líder destacado del nuevo arte conceptual. Dando un paso más en las propuestas de Marcel Duchamp a partir de sus ready-mades, se propuso sacar al arte de la trampa del encadenamiento al que le someten las formas, que, según él, lo tienen reducido a meras apariencias, para llevarlo al concepto.

Con obras como Una y tres sillas (1965, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París), donde aparece una fotografía de una silla plegable a tamaño real, y la propia silla junto a la definición del término silla sacada de un diccionario, se propone captar la naturaleza lingüística de toda obra de arte. De este modo, contribuye a la disolución de la práctica artística en el terreno de la filosofía y el lenguaje.

El Arte Conceptual también se caracteriza por estar ligado a la ciencia y tecnología Light Art, exponen aspectos de la vida social, política, cultural, económica usando la ironía y la polémica. Los medios propios de la manifestación de este arte son: el Vídeo-arte y el performance en este caso se usa el cuerpo para expresar en vivo, individual o grupalmente un concepto.

Otro medio que se utiliza en este arte son las instalaciones que pueden ser física, sonora, lumínica, o interactiva. La fotografía conceptual es el medio más utilizado. Las Gráfica alternativa y Collage se usan en menor proporción. También se aplica en la industria de videojuegos y automóviles para darle una idea más original.

La característica principal de arte conceptual es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales donde el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales. efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. 

¿Que son los elementos conceptuales o elementos visuales?. Los elementos visuales son aquellos conceptuales que se hacen visibles y al hacerse visibles generan forma, medida, color y textura. Son elementos que forman parte de todo diseño.

La definición de arte conceptual se fundamenta en darle formas a una idea algo abstracta, donde se pretende ignorar los impulsos ópticos del espectador, el público es animado a denunciar y cuestionar la realidad existente de lo que observa. También busca describir la intención del autor en la obra.

Otra definición es que pertenece al arte contemporáneo, donde la fotografía se utiliza para escoger un objeto y convertirlo en obra de arte. La fotografía se exhibe como obra de arte al igual que los vídeos y textos.

Descripción arte conceptual en la fotografía

Al describir el arte conceptual no se puede obviar la importancia que tiene la fotografía en este estilo. Tomando en cuenta el tipo de fotografía y que se quiere expresar al espectador.

Una imagen bien enfocada describe más de mil palabras. El lenguaje visual transmite múltiples emociones, símbolos y conceptos. En este arte los artistas no solo intentan transmitir su concepto. Si no ir más allá y poner a pensar al espectador para lograr dejar su mensaje. Este arte de fotografiar es lo más complejo para tomar una imagen.

En la actualidad el arte conceptual utiliza muchos trucos gráficos aprovechando la tecnología. pero también hay un numeroso grupo de fotógrafos que prefieren obtener el concepto solo a través del lente de la cámara como lo fue al inicio de este arte.

Otros fotógrafos se ubican en la tendencia conceptual subjetiva dejando la idea en manos del espectador.

Manifestaciones de arte conceptual

Parece ser que el Arte conceptual no tiene fin; cualquier cosa, cualquier objeto de uso ordinario puede ser utilizado para formar parte de un concepto una idea, debido a esto el arte conceptual se a expandido a utilizar diversos recursos logrando verdaderas obras de arte.   

Happening:

De la palabra inglesa suceso o acontecimiento, tiene su origen en la década de los 50 y se considera una manifestación artística multidisciplinaria que se ha relacionado con el pop-art y el movimiento hippie (lea “Incienso y menta” nuestro post sobre el movimiento Hippie) los happenings se integran dentro del conjunto del llamado performance art.

Land Art:

Usa los elementos de la naturaleza como escenarios y medios para realizar obras de arte. El principio más importante del Land Art es intervenir en el espacio de la naturaleza, pero en ningún momento quiere ni busca maltratar el espacio, todo es con sentido artístico. Land Art: utiliza los paisajes y elementos de la naturaleza como escenarios y medios para realizar obras de arte. También conocido como arte de la tierra, puede ser visto como parte del amplio movimiento de Arte conceptual con auge en las décadas de 1960 y 70. Los artistas del Land art empezaron a trabajar directamente en la naturaleza, el paisaje; esculpiendolo o realizando esculturas con rocas o ramas; algunos de ellos usaron maquinas para mover tierra. Uno de sus exponentes, Richard Long, simplemente caminó de un lado a otro del terreno hasta que dejó una marca en la tierra. El Land art ha sido usualmente documentado con fotografías y mapas que los artistas han exhibido en las galerías. Los artistas de esta corriente también han realizado Land art en la propia galería trayendo materiales de la naturaleza y usándolos para crear instalaciones. Probablemente la obra más famosa de Land art es Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, una obra llevada a cabo en los lagos de Great Salt Lake de Estados Unidos.

Body Art:

Es el arte corporal, que resulta ser un estilo incluido dentro del Arte conceptual, muy relevante en la década de los 60 en Europa y en los Estados Unidos; es un género artístico que pertenece a las artes plásticas, en el que se amalgama la expresividad del cuerpo con otras formas de manifestación de arte como la danza, la musica e incluso el arte escénico.

El origen del Body art se encuentra sin lugar a duda ligada al arte conceptual sucedido en la década de los 60 del siglo XX por lo que el arte corporal ha sido definido como uno de los constitutivos principales del posmodernismo debido a su sublevación frente a los principios rígidos del modernismo.

El término Body Art nació para denominar un tipo exclusivo de arte, acuñado por la revista Avalanche de los Estados Unidos a finales de los sesenta y principios de los setenta, realizado por artistas como Vito Acconci, Chris Burden, Bruce Nauman o Dennis Oppenheim.

Arte Povera:

Un crítico de arte llamado Germano Celant le dio la denominación, en la cual diferentes actividades artísticas se integran teniendo en común la utilización de materiales básicos, comunes o “pobres”; como paja, arena, piedras, ramas, hojarascas, fragmentos u objetos de metal, piezas de loza o vidrio, aunque otros artistas del mismo movimiento usaron oro, seda, mármol o cristal de Murano.

Este movimiento surge en Italia, en 1967 cuando se organizan importantes exposiciones, alcanzando un gran auge a nivel internacional. Los artistas más representativos del movimiento son: Kounellis, Anselmo, Zorio, Pistoletto, Merz, Boetti, Penone y Fabro.

La estética del arte povera se basa en la relación del objeto con su configuración, dando valor al procedimiento, el proceso de fabricación y la manofactura del material así como el material mismo. La relación de esto determina la obra ya que se inicia a partir de la acción sobre el material (como pueden ser apilar, desgarrar, torsionar); o por el contrario, el artista parte de un material como por ejemplo fieltro, caucho, tierra, etc… al que le somete a una determinada acción. Este arte da valor a los materiales industriales en estado bruto. Se crea inicialmente en Italia como una reacción en contra del uso del acero inoxidable, el plexiglás, como manifestación antimercantilista y en oposición a la estricta geometría del arte minimalista; reivindicando a Manzoni, Burri o Fontana; artistas italianos de anteriores épocas.

En un intento por desmantelar la jerarquía de los materiales, los artistas rechazaban el consumo, interesandos en los materiales básicos de la naturaleza y al mismo tiempo en la modernidad industrial y aunque no conformaron un colectivo como tal, todos enfocaron al arte como punto inicial en el cual abordar la vida. Reflejaban el presente a través del pasado asociando la historia la cultura y la mitología europea ejerciendo una poética crítica de la moderna sociedad.

Minimalismo:

En 1965 Richard Wolheim un filósofo del arte, en un artículo de la revista Art Magazine usó el término minimalismo definiendo el concepto.

De nueva cuenta en los sesenta se transforma la concepción de la relación entre la obra de arte y el espacio de la vanguardia clásica. Se producen cambios en los espacios expositivos, en los que ahora predominan paredes blancas desnudas y grandes salas, dado el gran tamaño de los objetos minimalistas.

Éstos, o bien estaban realizados para un tipo de espacio determinado (esquina, pared), o para intervenir en la percepción del espacio en que se inscriben. Pueden determinar, además de la experiencia visual del espacio, su habitabilidad.

A veces el espacio de la exposición llama la atención sobre sí mismo, por su extrema neutralidad o por el contraste que establece con las obras; otras veces es fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia perceptiva por ella.

Podemos decir que toda obra de arte modifica más o menos la percepción del espacio circundante, pero que las minimal lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.

La mayoría de las obras minimalistas son poliedros regulares, aislados o en serie, de apariencia pobre o industrial, colores brillantes o apagados, materiales opacos o transparentes, o incluso construidas con ladrillos, neones o contrachapado; se trata de objetos geométricos simples en toda clase de materiales que carecen de la llamada “verdad del material” y de la neutralidad de los medios artísticos subordinados a la elaboración del artista.

No cuentan con una forma significante que los separe del resto de objetos del mundo y los convierta en artísticos. Podríamos decir que la única propiedad pertinente de los objetos minimal sería esa misma objetualidad: la experiencia de una obra de arte es la de un objeto físico y su tamaño, forma y orientación en el espacio. El objetualismo minimal se manifiesta como afirmación de la escultura y de los materiales, propiedades y procedimientos que le son propios y como antipictorialismo o anti-ilusionismo.

Tanto la escultura minimalista como la vanguardista tienen en común su reivindicación de las condiciones propias de la escultura, pero difieren en el mayor e indirecto protagonismo dado al espectador en las obras minimal, en la incidencia de la unidad y completud de la experiencia receptiva en las obras seriales y en la mayor conciencia de quien contempla respecto a su rol como perceptor: se requiere de él una actitud diferente.

La ubicación de los objetos minimal contribuye a su contenido, lo que erosiona en parte la autonomía de la obra de arte.

El arte conceptual a llegado para quedarse y es probable que se encuentren muchas formas mas de expresarlo, bienvenido al mundo del objeto arte.

Publicación #10

Escrito por Guimelene

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